ukrfilm.com

Никакой  национальный кинематограф не является чем-то однозначно целостным. Его творят совсем разные художники со своим особенным мировоззрением и творческой манерой. Тем более то же касается кинематографа целого региона. И все же в шестидесятые-семидесятые годы прошлого века само грузинское кино стало представлять Кавказ, сумев предложить зрителям ряд эффективных художественных приемов для воссоздания местного колорита.

Большинство грузинских картин так или так, но вращающиеся вокруг традиционного образа жизни местных жителей. Кавказский уклад с его шумным застольем, длинными тостами, воспалительными танцами и трогательными песнями является чрезвычайно кинематографическим сам по себе, и этим грех было не воспользоваться.

Такое кино на первый план вывело привлекательный образ местного жителя – честного, отчасти наивного, иногда хитрого, однако всегда щедрого и чрезвычайно гордого мужчины. Именно такого играл Вахтанг Кикабидзе в фильмах Георгия Данелии. В частности, в картине «Не грусти» его врач Бенджамен стал будто воплощением настоящего кавказца, для которого честь, – в первую очередь.

В конечном итоге, так или так, но эффектные киноприемы со временем стали надоедливыми киноштампами. Живописность во многих грузинских фильмах превратилась в самоцель, традиции на экране вырождались в откровенную оперетковисть и даже саму пародию, а главный герой грузинского кина все чаще становился таким себе одиноким чудаком на фоне живописного пейзажа кавказских гор.

И искусственность такого героя сильнее всего оказывалась вне пределов места его постоянного обитания. Вне Кавказа гордый горец сразу оказывался в чужой среде, и весь его колорит теперь граничил с криминальным преступлением.

Однако, грузинское кино оперировало и другими обидами национальной жизни, в центре которой появлялись другие герои. Речь о картинах Отара Йоселиани, грузинского кинорежиссера, который держался в стороне всяческой декоративности и декларативности и фильмував ленты, которые касались правдивых основ национальной жизни.

Фильмы Йоселиани оказывались нетрадиционными также и за формой, потому что были скорее попыткой показать куски жизни, которая будто развивается само собой, чем попыткой создать какую-то искусственную фабулу. В картине «Ноябрь» мастер показывает распад традиционной жизни грузинов через упадок культуры виноделия. Когда-то почти сакральное действо, оно теперь превратилось в выполнение государственного плана на государственном же предприятии, и, в конце концов, привело к падению якости вина.

В конце фильма несколько грузинов фотографируются в парке. Они просовывают председателя в разрисованное фанерное письмо, на котором изображена жанровая сценка из теперь уже потерянной пасторальной жизни. Таким способом грузинское кино будто прощается с собственной мифологией.

А 30 августа о 23:20 в АРГУМЕНТЕ-КИНО – «водка-лимон». Кавказские реалии увидены будто сквозь призму традиционного грузинского кина. В этом фильме все символично. И то, что события происходят зимой, когда Кавказ обнаруживает не столько свое гостеприимство, сколько строгость климата, и то, что они разворачиваются в кризисных девяностых, когда традиционная жизнь уже не выглядит такой беззаботной, как при недавних советских временах. В конечном итоге, символическим является также и то, что главный герой теперь уже не молодой, оптимистично настроенный мужчина, а достаточно потерт жизнью военный пенсионер. Но весь этот символизм не может отменить глубокое жизнелюбие и життестийкости кавказца. Он много потерял в мифологии, однако, похоже, больше нашел в реальной жизни. «Водка-лимон» этому правдивое доказательство.

Игорь Грабович

В воскресенье, 30 августа, о 23:20 в программе – достаточно экзотичная картина, созданная курдским кинорежиссером Гинером Салеемом, к производству которой причастные сразу четыре страны – Франция, Италия, Швейцария и Армения. На вас ожидает достаточно своеобразная романтичная любовная история, которая имеет неожиданное название, – «Горилка-лимон»/ Vodka Lemon (Франция-Италия-Швейцария-Вирмения, 2003). За этот фильм, что он в 2003 году принимал участие в официальной конкурсной программе Венецийского международного кинофестиваля «Против течения», постановщик получил приз «Святого Марка».

Сюжет ленты «водка-лимон» разворачивается в курдских поселениях на Кавказе. Главный герой – отставной офицер советской армии, которому уже перевалило за шестьдесят. Он вдовец, обходится старым гардеробом, военной формой, радуется советских времен телевизором и не отказывает себе ни в чем на удивительную пенсию в семь долярив. (Его сыновья, которых также не забудет сказ, – по миру). А наш герой ежедневно рушает на кладбище и сметает снег из портрету небіжчиці-дружини на ее могиле. Неподалеку еще одна такое же одиночество – красивая пятидесятилетняя вдова. Интересно, что же из этого всего выйдет дальше?

Постановщик фильма «водка-лимон» Гинер Саалем (какого можно увидеть в финальном эпизоде ленты в роли потенциального покупателя пианина) родился 1964 года в «иракском» Курдистани. Симнадцятилитним был вынужден убежать из своей страны от режима Саддама Гусейна и в течение 23 годов как политический эмигрант не мог туда вернуться. Он всегда боролся против Гуссейна, а также за признание прав курдского района в Ираке. Главное средство этой борьбы – его фильмы, они все так или так касаются курдской проблемы.

Короткая ее история такова. По Лозаннскому мирному договору 1923 года, который юридически оформил распад Оттоманской империи, Курдистан разделили между четырьмя государствами. Тавим чином, в Турции в настоящее время проживает 20 миллионов курдов, в Иране – 9 миллионов, в Ираке – 6 миллионов и в Сирии – 2 миллиона. Также существуют курдские общества в других странах, в частности, в Армении и Грузии – свыше 300 тысяч, мощная диаспора в Западной Европе – 650 тысяч. Назагал в мире насчитывают где-то около 38 миллионов курдов. И это наибольшая нация, которая не имеет своего независимого государства. Курды же являются коренным населением Западной Азии, потомками античных мидийцив и имели собственную письменность от VII века. За верой в настоящее время они преимущественно мусульмани-суннити, и это следствие пребывания под властью Оттоманской империи. Но до сих пор сохранились общества, которые исповедуют езидизм (он имеет общее с зороастризмом) и, собственно, называют себя езидами. Их в настоящее время, кстати, немало живое и в Киеве. Ну а Гинер Салеем «водку-лимон» фильмував также в езидских поселениях, в Армении. Именно в неприступных долинах южного Кавказа где-то от XV века, скрываясь от репрессий оттомана, хранили нетрогаемыми свои религиозные обычаи и духовность солнцепоклонники езиди.

Гинер Саллем любит цитировать фразу своего деда о курдский народ: «Наше прошлое печаль, наше сегодня катастрофическое, но, к счастью, у нас нет будущего». Такой юмор. И именно юмор избирает за свое художественное оружие режиссер, чтобы противостоять подобному сословные дел. Он уверен: если говорить о курдах, вирменив, евреев или другие народы, которые познали страшные несчастья (очевидно, к ним принадлежат и украинцы), то если бы у них не было чувство юмора, они бы никогда не выжили. Же относительно фильма, то это интересно – стилистически он опирается на известные трагикомические традиции большого грузинского кина.

«Водка-лимон» – история романтичная, но и гротесковая и даже сюрреальна; вместе с тем, такая, что ее можно воспринимать как полностью невымышленную. Кстати, интересно: в фильме «Водка Лимон» армянская «водка-лимон» почему-то имеет привкус не цитрины, а миндалю. Надеемся эта лента вам также засмакуе по особенному.

Кинематографической ночи!

АРГУМЕНТ-КИНО

Лента «Дитинства»/ Enfancеs (Франция, 2007), которая демонстрируется в АРУМЕНТІ-КІНО 23 августа в 23:35, состоит из шести новелл, к творению которых причастные семеро молодых французских режиссеров: Исмаель Феррухи, Корин Гарфин, Джоанна Хаджитомас, Халил Джорей, Исилд Лэ Беско, Ян Лэ Гали и Сафи Неббу. Этот фильм – своеобразная антология экранизированных эпизодов детств шести гениальных кинорежиссеров ХХ века Фрица Ланга, Орсона Веллса, Жака Тати, Жана Ренуара, Альфреда Гичкока и Ингмара Бергмана.

Первую тройку героев-режиссеров картины «Детства» объединяет чрезвычайный художественный темперамент. Каждый из них заснял по крайней мере одну ленту, к которой возможно отнести эпитет грандиозная. И это касается как масштабов художественного замысла, так и способа  его воплощения.

ФРИЦ ЛАНГ С именем немецкого кинорежиссера Фрица Ланга связывают течение, которое получило название киноэкспрессионизма. Экспрессионисты  отказывались от классического реализма, для них внешний мир был лишь поводом для показа очень сильных человеческих эмоции .

Зафильмовани в необычных декорациях, картины киноэкспрессионистов оказывались чрезвычайно выразительными визуально. И они имели своеобразную тематику. Чаще всего это были истории о темных силах, которые руководят жизнью обычных людей. Главными героями этих фильмов были вампиры и безумные ученые, жестокие диктаторы и авантюристы, гипнотизеры и разного рода маги, которые вынуждали мир вращаться вокруг собственных желаний.

Фриц Ланг не только был среди тех, кто разработал выразительные средства киноэкспрессионизма, но и создал ряд картин, которые имели исключительное влияние на мировое кино. Речь в первую очередь о его «Метрополис», который рассказывает в то же время вечную и актуальную историю о человеческой надежде на лучшую жизнь. Только в этот раз действие происходит в определенном абстрактном будущем, в модерном городе, всплошную механизированном и лишенном человеческой солидарности. Ланг сумел убедительно показать конфликты современной машинной цивилизации, которые помечают розирванисть человека между ее умом, ее руками и ее сердцем. Собственно, именно эта линия стала магистральной для западной кинофантастики – от «Космической одиссеи» и вплоть до «Матрицы».

ОРСОН ВЕЛЛС Об американце Орсона Веллса рассказывают такой анекдот. Во время какой-то встречи с зрителями он будто сказал, разглядывая полупустой зал: «Госпожа и панове! Перед тем, как начать, я хочу несколько слов сказать о самом себе. Я ставлю пьесы на Бродвее, я работаю в театре и кини как актер и как режиссер, я пишу и осуществляю постановки на радио, играю на рояле и скрипке, умею рисовать. Я опубликовал также несколько книг, в том числе и два романа, а еще мне приходилось выступать в роли фокусника. Я теперь скажите: не удивительно, что ли здесь так мало вас и так много меня?».

В конечном итоге, в этой шутке только крошка шутки, потому что Орсон Веллс вошел к истории популярной культуры двадцатого века как вундеркинд, которому с самого начала удавалось все. Уже в десятилетнем возрасте он наизусть знает всего Шекспира, играет в любительском школьном театре, ставит представления, пишет к ним декорации и музикуе. В шестнадцать Веллс выходит на профессиональную театральную сцену. А двадцятисемилитним дебютирует в Голливуде и сразу фильмуе картину, которую американцы считают наилучшей в истории кина.

«Гражданин Кейн» стал откровением для киноиндустрии. Веллс воплотил несколько новаторских киноприемов. Вот некоторые из них. Его картина не разворачивалась последовательно, а была создана как серия воспоминаний персонажей фильма, Веллс фильмував ленту длинными планами, используя глубинную мизансцену, которая позволяла создавать художественный эффект не монтажом, а действием в кадре. Он поставил кинокамеру настолько низко, что декорации пришлось строить с потолком, чтобы создать эффект достовирности.

Сам Веллс сыграл в фильме главную роль, с помощью грима и актерской техники, перевоплощаясь у газетного магната Чарлза Фостера Кейна, чей могучий темперамент не выдерживали люди, он которых окружающий. В конечном итоге, Орсон Веллс повторил судьбу своего героя. После первого триумфа ему больше никогда не удавалось подняться на голливудское верховье. В конце концов, его было слишком много, его всегда было больше, чем публика в   зале.

ЖАК ТАТИ Большими цифрами оперировал также и другой кинематографист – француз Жак Тати. В целом в его режиссерской наработке около десятка полнометражных картин, однако почти каждая из них, без преувеличения, становилась эпохальной.

Фирменным героем Жака Тати был господин Юло. Высокий мужчина средних лет, который неумышленно оказывается в водовороте событий и влечет хаос, стал или не найупизнаванишим персонажем послевоенного французского кина.

Первой картиной за повадься господина Юло стала лента Жака Тати «Каникулы господина Юло». Это очень странная картина, в которой, если зацитувати французских кинопрокатчиков начала пятидесятых годов прошлого века, «ничего не происходит». И в самом деле, история каникул господина Юло не имеет хоть какой-то четко приписанной фабулы, кроме, собственно, самого пребывания группы  отдыхающих на берегу моря.

И господин Юло явно отличается от всех других. Французский критик Андре Базен писал, что Юло является “метафизическим воплощением беспорядка», что там, где он появляется, нарушается заведенное положение вещей. Но это механический порядок, который делает человека рабом условностей.

Собственно, нежелание вписываться в настоящее, активное сопротивление его законам, которые нивелируют индивидуальность, характеризует и господина Юло, и самого Жака Тати. В следующих своих лентах он продолжит историю своего героя, причем сделает его правдивым воплощениям человеческой безпосередности, человеческого тепла на фоне не очень приветливого к простому человеку двадцатого века.

Вторую тройку героев фильма «Детства» можно объединить, среди прочего, их усиленным вниманием к внутреннему миру человека. В кинематографе каждого из них побеждает субъективность: внутренний мир проектируется на мир внешний, отображает его и в то же время его формирует.

ЖАН РЕНУАР Французского кинорежиссера Жана Ренуара можно считать правдивым сыном ХХ век. Как и его отец, художник Огюст Ренуар, Жан Ренуар часто строил свои картины  на субъективном виденье вещей.

Его фильмы отображают изменение эпох, и мы видим, как буквально на глазах отходит в прошлое ХІХ века. Изменяется мир, человеческая жизнь начинает измеряться новыми мерками. Полнее всего эта тема проявилась в картине Жана Ренуара «Большая иллюзия», которая рассказывает о приключениях нескольких французских офицеров в немецком плену. Действие происходит во время Первой мировой войны, которая, собственно, и стала своеобразным водоразделением эпох. Двадцатый век в картине будто приходит вместе с крахом аристократии, которая в фильме показана через обиды немецкого офицера капитана фон Рауффенштайна и французского аристократа капитана Бордье. Их общение становится идейным стержнем картины.

И то, что в конечном итоге один убивает другого, значит не только то, что время аристократии минуло, но и то, что новые времена так или так, но разрушат все другие иллюзии. В финале картины двое вцилих французских офицеров делящиеся планами на будущее. Они преисполнены оптимизму, однако понимают, что впереди у них война, которая, похоже, теперь будет длиться вечно.

АЛЬФРЕД ГИЧКОК Британца Альфреда Гичкока чаще всего характеризуют словосочетанием «мастер саспенсу». И в самом деле, именно Гичкок сделал этот прием символом кинематографа. Его суть – в умении держать зрителя в напряжении на протяжении всего фильма. У Гичкока нет проходных эпизодов, каждая сцена в его картинах преисполнена драматизму.   Самой влиятельной лентой Гичкока принято считать «Психо» – и не только через саспенс. В этом на удивление искусном и страшном фильме Гичкоку удалось напророчить будущее и кинематографа, и вообще всего Западного общества.

В «Психо» режиссер будто обозначил последующее движение цивилизации к упадку. Это показано и через  крах самых простых человеческих надежд, и через тяжелую патологию, что она кроется в обычных людях, и, в конечном итоге, в том, что серийный убийца впоследствии станет героем нового времени.

Гичкок был мизантропом, который любил играть на публике, как на органе, в то же время, сам он всего боялся и всегда снимал фильмы о невинном человеке, который попадает в неприятность.

Излишне говорить, что он снимал обо всех нас.

ИНГМАР БЕРГМАН Ингмара Бергмана  принято считать последним правдивым классиком мирового кина.  В первую очередь, через серьезность и бескомпромиссность его художественного виденья, благодаря которому он никогда не понижал художественную планку своих фильмов. Дебютувавши в кини в конце сороковых годов ХХ века, Бергман заснял больше сорока полнометражных картин.

Все они так или так, но вращающиеся вокруг внутреннего света человека. Бергмана не интересовала политика, и он не очень верил в утопические социальные проекты, потому что знал, что в человеке сидит определено внутреннее естественное зло, которого ничем не выбьешь, однако попробовать можно. Собственно, этому он посвящает одну из самых популярных своих картин «Земляничная опушка», которая до сих пор является эталонной в показе внутреннего мира человека. 

«Земляничная опушка» – это день из жизни старого профессора медицины, который отправляется на автомобиле к Стокгольму, чтобы получить почетное звание. В начале картины герой заявляет, что он принципиально перестал общаться с окружающими, чтобы уберечься от лишних волнений. Однако путешествие автомобилем все изменяет. Новые знакомства и воспоминания о детстве, которое здесь символизирует земляничная опушка, вынуждают его вернуться к людям, пересилить собственный эгоизм и отчуждение.

Бергман показывает превращение главного героя чрезвычайно убедительно, показывая наглядно его сознание, делая переживания профессора полностью зримыми. В конечном итоге, именно в этом и кроется важнейший аргумент в интересах величия Ингмара Бергмана, который в трагическом двадцатом веке не только продолжал верить в человеческую душу, но и сумел сделать ее видимой.

Игорь Грабович

В воскресенье, 23 августа, о 23:35 в программе – французское кино. Фильм особенен, фильм уникален – будто специально созданный, чтобы быть продемонстрированным в нашей программе. Своеобразная антология экранизированных эпизодов детств шести гениальных кинорежиссеров ХХ века Фрица Ланга, Орсона Веллса, Жака Тати, Жана Ренуара, Альфреда Гичкока и Ингмара Бергмана.

Лента так и называется – «Дитинства»/ Enfancеs (Франция, 2007). Она, соответственно, состоит из шести новелл, к творению которых причастные семеро молодых французских режиссеров: Исмаель Феррухи, Корин Гарфин, Джоанна Хаджитомас, Халил Джорей, Исилд Лэ Беско, Ян Лэ Гали и Сафи Неббу. Каждое из этих постановщиков было избрано благодаря их индивидуальному подходу к кина, а также их созвучности режиссерам, которые являются героями того или того эпизода.

Вопрос: а в чем же суть каждой из шести новелл, за какими принципами они создавались? Ответ: авторы выходили с того, что в детстве каждого человека (вспомним учение Зигмунда Фройда), тем более яркой персоны был определенный эпизод, какое-то решающее событие, которое стало отправной точкой в формировании особистости, формировании мировоззрения.

Стоит заметить, что автором оригинальной идеи создания фильма «Детства» выступил один из его режиссеров Ян Лэ Гали. Его вдохновил известный исторический киноанекдот о том, как за помощью к Чарли Чаплина пришла встревоженная мать мальчика, который упрямо пытался наложить на себя руки. Чаплин попробовал помочь горю – он пришел к мальчишке в своем классическом наряде, в знаменитом комичном образе. Поговорил с несчастным и повернул вкус к жизни. малому Джону Г’юстону, будущему знаменитому режиссеру, сценаристу и актеру, невзирая на это, еще и красиво известному именно своей чрезвычайной любовью к жизни во всех его проявлениях.

Также заметим на двух моментах. Первый: каждую из коротеньких биографических рассказов или стилизовано, или иным образом уподиблено к особенностям творческой манеры, кинематографического почерка героя. И второй момент: точно не известно, именно ли такие истории имели место в жизни наших киногениев – Ланга, Веллса, Тати, Ренуара, Гичкока и Бергмана. С одной стороны, все это смахивает на мифологию, похоже на апокрифы из жизни киносвятых. А из другого, может, где-то и были соответствующие свидетельства. Но, в конечном итоге, идет речь, сказать бы, не о букве, а о духе. А он в «Детствах» правдивый.

В программе, в свою очередь, мы решили кратенько напомнить – кто они, герои этого фильма, кем они стали во взрослой жизни, чем дорогие искусству кинематографа.

АРГУМЕНТ-КИНО

16 августа стартует новый, 11-й за счетом, сезон еженедельной авторской телепрограммы Владимира Войтенко на телеканале «1+1», который традиционно выходит позднего воскресного вечера и предлагает киногурманам художественные фильмы.

В новом телесезоне над программой также работают редактор и автор кинознавчих сюжетов Игорь Грабович, режиссер Жанна Скора и оператор-постановщик Виталий Филиппов.

Таким образом, в августе увидят эфир три программы, которые презентуют три фильма, что их выход в свет освященный французской кинематографией.

** 16.08 Карамель/ Sukkar banat 2007, Франция-Ливан Надин Лабаки

** 23.08 Детства/ Enfancеs 2007, Франция Исмаель Феррухи, Корин Гарфин, Джоанна Гаджитомас, Халил Джорей, Исилд Лэ Беско, Ян Лэ Гали, Сафи Неббу

** 30.08 Водка Лимон/ Vodka Lemon 2003, Франция-Италия-Швейцария-Вирмения Гинер Салеем

АРГУМЕНТ-КИНО

В воскресенье, 16 августа, о 23:25 в программе – ливанско-французский фильм. Режисерка этой сладко пряной женской истории также ливанка – Надин Лабаки. И место действия – тоже Ливан. Мы такого с вами еще не видели – «Карамель»/ Sukkar banat (2007).

Несколько молодых женщин работают в скромном салоне красоты на околице Бейрута. Они не имеют секретов между собой, они делящиеся мечтами, радостями и горем. И у каждой своя особенная история, временами чрезвычайно вызывающая, тайная, запрещенная, – особенно же, когда идет речь о мусульманской традиции. Но Бейрут, какому режисерка и посвятила фильм, – город мультиконфесийне.

Следовательно, это кино о сложной ливанской жизни. Но никоим образом не о войне, не о терроризме и социальных несчастьях и безвыходном положении, сопутствующих им. (Хотя, стоит заметить, что лента фильмувалася именно во время военных действий в Ливане 2006 года). Совсем наоборот – это кино о любви, надежде и красоте. Ну а почему «Карамель»? Есть несколько причин для такого названия. Ну хотя бы вот и, что на поверхности: эпиляцию здесь делают достаточно специфически – при помощи самодельной липкой карамели, которой, между делом, можно и полакомиться.

После триумфального выхода фильма на экраны, Надин Лабаки было признано самой влиятельной женщиной в странах тамошнего региона. Вообще же, она является одним из самых известных лиц в музыкальной индустрии арабского мира. Кроме всего другого, мастерит видеоклипы для ливанских музык. (Во время пересмотра, думаем, вы заметите и замечательное музыкальное оформление ленты, и выразительные песни).

Ну, и не нужно забывать, что Надин Лабаки – актриса. Она, обратите внимание, сыграла одну из главных ролей в собственном фильме, который является в то же время полнометражным сценарным и режиссерским дебютом. Ее героиня – парикмахерша христианка Лайяль. Надин ропщет, что то было непростое решение – решетки в собственном фильме, а уже воплотить это решение оказалось делом вообще чрезвычайно тяжелой! Она также говорит, что чувствует себя ливанской женщиной, которая несколько запуталась в тенетах социальных, семейных и религиозных традиций родины, а еще – выглядит слишком современно как для своие страны и работает в не слишком легкой для нее профессии. Но – при помощи французской кинематографии, которая, на правах матери, заботится о многих в мире, – молодей ливанской режисерци задуманное удалось!..

Кстати, по-видимому примечательно, что почти вся лента о женщинах, которые пытаются скрыть запрещенную любовь, придерживаться традиций, принимать гендерное неравенство и вынужденных жить против своих желаний, фильмувалася в перестроенном под салон красоты помещении бейрутского «секнд-генду». И родилась на том месте теплая экранная история о людях, которые полнокровно живут с тем, что неприемлемое в других, «развитых», странах.

Также заметим, что «Карамель» в позапрошлом году была удостоена трех призов на престижном международном кинофестивале в испанском Сен-Себастьяни, в частности – молодежного жюри и зрительских симпатий. А еще лента принимала участие в «Двухнедельнике режиссеров» – престижной внеконкурсной программе Каннского фестивалю. (Наш потому что сюжет, кроме «Карамели», обратит ваше внимание и на другие «восточные киносладости»).

Следовательно, на вас ожидает особенная, сказать бы, многофункциональная ливанская «Карамель» весьма влиятельной у себя на родине Надин Лабаки, которая с большой любовью и нежностью выводит на экране своих, обеспокоенных «мировыми женскими проблемами», героинь. Да и все персонажи этого фильма, что он вышел на экраны 40 (!) стран мира, вызовут у вас хорошую улыбку.

И интересно, что Надин Лабаки среди своих любимых режиссеров называет Ларса фон Трира, братьев Коенив, Вуди Аллена и Педро Альмодовара, когда между тем ее картина преисполнена удивительного шарма французского кина. 

Легкий, сладкий, липкий, мелодраматический летний фильм.

АРГУМЕНТ-КИНО

** ВОСТОЧНЫЕ КИНОСЛАДОСТИ

Сладости в кини, как и вообще еда, почти никогда не прочитываются буквально, чаще всего они просто метафорой.  Сладости могут помечать определены человеческие состояния, отношения между персонажами  и даже вещи идеологического характера. Особенно это касается западного кина, для которого сладости выступают еще и символом другой культуры, часто чужой или даже враждебной.

Британец Питер Гриневей заснял показательную картину на эту тему. История повара француза, вора британца, его жены и ее любовника почти полностью происходит в ресторане. Еда здесь становится и характеристикой героев, и символом любви, и самой жизнью. Их трудно отделить друг от друга. Собственное богатство ассоциаций, красок, фактуры, невероятная насыщенность эмоциями, интенсивность действия и переживаний и характеризуют картины, которые вращающиеся вокруг еды в целом и сладостей в частности.

Еще один пример – шоколад. Эмигрант из Латинской Америки, он прибыл на старый континент в эпоху больших географических открытий. И сразу создал собственную мифологию. Ему приписывались разнообразные свойства, среди которых есть и полностью противоположные , – шоколад считали лекарствами и погибелью в то же время.

В одноименной картине Лассе Галльстрома шоколад приводит к общественным беспорядкам в маленьком европейском городе. Часть общества считает его признаком праздника, розкутости, невероятной поздравительной силы, однако другая часть города во главе с мэром видит в нем лишь искушение и грех.

Важно в этой истории также и то, что шоколад в старый европейский город приносит с собой женщина. И не просто какая-то абстрактная женщина, а француженка, в жилах которой течет индейская кровь. Что и говорить,  француженку в кинематографе почти всегда помечают как символ искушения.

 Причем французская женщина распространяет свое искушение по всему свету, становясь своеобразным символом колониального господства Франции, которое имеет не столько политический, сколько эротичный характер. Язык, конечно о Еммануель, которая искусством любви овладевала на всех континентах, однако свой путь начала из Азии.

Собственно, сладости, которые в кини прежде всего были символом любви, могут приобщаться и к более драматичный контексту. Ими, в частности, отражаются амбивалентни состояния, в которых жизнь и смерть непременно идут рядом. «Турецкие сладости» – так назвал свой фильм голландский кинорежиссер Пауль Верговен.

 История любви молодого скульптурного мятежника и девушки из буржуазной семьи подана здесь через разнообразные детали, среди которых еда занимает не последнее место. В конечном итоге, отношения молодых людей здесь похожи на потребления сладостей, которые помечают собой молодость и искушение, однако, которые рано или поздно набьют оскомину.

Сами же турецкие сладости появляются в фильме только раз, в самом финале, когда смертельно больная девушка жадно поедает их, будто пытаясь повернуть счастливые дни своей юности.

Восток, Франция, любовь, искушение, молодость, жажда жизни и в то же время определенный привкус его гриховности – все это можно отнести и к картине «Карамель» ливанской режисерки Надин Лабаки. Здесь все главные героини – женщины, все они так или так, но похожие на восточные сладости – чрезвычайно привлекательные, невероятно разнообразные и очень сладкие. И тот, кто их хоть раз попробует – вряд ли сможет когда-то забыть.

Игорь Грабович

В воскресенье, 28 июня, завершил свою работу 31 Московский международный кинофестиваль, который длился от 19 июня. Победителем назван фильм россиянина Николая Досталя «Петя на дороге к царству небесному».

К жюри кинофесту, что праздновал свое 50-риччя (во времена СССР проводился один раз на два года), входил Председатель Союза кинематографистов Украины кинокритик Сергей Тримбач. Жюри возглавлял русский кинорежиссер Павел Лунгин, а сам форум завершился триумфом русского же кина.

Гран при – «Золотой Георгий» за анйкращий фильм: «Петя на дороге к царству небесному» (Россия), режиссер Николай Досталь

Специальный приз жюри: режиссер Александр Прошкин за фильм «Чудо» (Россия)

Приз за наилучшую режиссуру: Марианна Ченийо, «Пять дней без Норы» (Мексика)

Приз за наилучшую мужскую роль: Владимир Ильин, «Палата №6» (Россия), Карен Шахназаров

Приз за наилучшую женскую роль: Елена Костюк, «Мелодия для катеринки»/ «Мелодия для шарманки» (Украина), Кира Муратова

Для фильма Киры Муратовой нашлись еще два приза: Федерации киноклубов России за наилучший фильм главной конкурсной программы, а также чрезвычайно почетный приз кинокритиков (FIPRESCI).

kinokolo.ua

Ночью с 27 на 28 июня в Киеве на Андреевском подъеме состоялась конкурсная часть Киновидеофестивалю отечественного производства «Открытая ночь», который в 2009 году длился от 22 до 29 июня. На конкурс было подано около 60 работ, с которых до конкурсной программы вошли девятнадцать. Жюри фестиваля возглавлял актер Богдан Бенюк.

Гран-при фестиваля: «Путешествие», режиссер Роман Синчук

«Неигровое студенческое кино» - диплом за освещение темы фильма «По ту сторону радуги», Алина Головина - диплом за вклад в развитие фиктивно-«документального» кина и бурлеск фильма «Мобил», Тарас Кихтюк - диплом за визуальное решение фильма «Маска», Александр Лидаговский

«Игровое студенческое кино» - диплом за наилучшую актерскую работу: Лина Будник в фильме «Путешествие» - диплом за наилучшую работу художника: Татьяна Ковтун в фильме «Путешествие» - приз за наилучший фильм в номинации: «Автоответчик», Станислав Котеленець

«Анимационный студенческий фильм» - диплом авторам цикла фильмов: Елена Потемкина и Надежда Билокинь - приз за наилучший фильм в номинации: «Живая краска», Елена Семак

«Параллельное кино»: - наилучший фильм (на ровных):  «О беге», Тарас Працевитий и «Наши», Владимир Антонюк

Отдельные отличия жюри - за наилучший актерский дуэт: Тарас Кищун и Мария Копитчак в фильме «О беге» - за оптимизацию производственного процесса: Тарас Працевитий, режиссер, сценарист, оператор, художник, звукорежиссер фильма «О беге» - из наилучшую операторскую работу: Сергей Крутько в фильмах «Автоответчик» и «Путешествие» - за наилучшую работу художника: Алена Глушич в фильме «Автоответчик»

Победитель конкурса аналитических материалов: - Анна Купинска за публикацию "Двенадцатый дубль против тринадцатого апостола"_"Украинска правда. Жизнь.", 07.07.2008 http://life.pravda.com.ua/cinema/48720dab745b9/

Определение победителей в профессиональных категориях не состоялось из-за отсутствия минимальной нужной килькости фильмов для конкурса.

** Ночью с 27 на 28 июня, от второго часа ночи,  показ всей конкурсной программы происходил в эфире телеканала ICTV.

Закрытие фестиваля и вручение дипломов и призов состоялось 29 июня о 19.00 в помещении киноресторана Trans-force в ТРЦ «Блокбастер».

За материалами официального пресс-релиза

Один из главных представителей литературного магического реализма Габриель Гарсия Маркес сумел создать универсальные сюжеты, которые со временем стали приобретением разных национальных культур. И речь не только о влиянии на собственное литературный процесс. Не менее значимыми являются также заграничные и международные экранизации произведений Маркеса.

И часто в таких экранизациях на первый план выходит не столько национальная жизнь, сколько значимые для всех людей темы наподобие любви без взаемности, скажем ли, старение. Примером может быть картина французского режиссера Артуро Рипштейна «Полковнику никто не пишет».

Зберигаюючи сюжет повести Маркеса, режиссер творит камерную картину, в которой на первый план выходят отношения старого полковника и его жены с окружающими людьми.  А ритм ленты задают эпизоды, в которых полковник напрасно ожидает вестей о назначенной ему пенсии.

В конечном итоге, произведения Маркеса могут быть адаптированы и к основополагающий других, казалось бы, чужбинных для этого писателя культур. Скажем, его колумбийский, латиноамериканский по своей сути роман «Сто лет самотности» был экранизирован несколько раз в совсем непохожих между собой кинематографиях. Бывали и совсем экзотичные примеры, как вот японская лента «Прощавай, ковчег», где очень много того самого магического реализма, причудливых образов и давних ритуалов, поте все они кориняться в местной культуре. 

Режиссер картины Суджи Тераяма не ставил себе за цель сделать буквальную экранизацию роману Маркеса, потому что, в конечном итоге, сам роман колумбийца привлек его своим свободным стилем, независимостью от классических литературных канонов. И именно в этом картина подражает литературному произведению.

Не обошли экранизации Габриеля Гарсия  Маркеса и Украину. Его рассказ «Очень старый мужчина с огромными крыльями» было положено в основу картины Аллы Пасиковой «На краешке мира». Собственно, рассказ Маркеса послужил только импульсом к созданию этой черно-белой ленты.  Короткая история о янгола, который оказывается в плену людей, обросшая подробностями сугубо украинской городской жизни.

«На краешке мира» - это ряд разножанровых замалевываний, которые будто иллюстрируют суетность современного человека.  Герои фильма настолько озабочены собственными проблемами, которые почти не обращают внимание на янгола, которого воспринимают лишь как «чудо природы». Человек в этой картине не нуждается в божественого, а конец света – только личное дело каждого. Все, как в рассказе Маркеса.

В АРГУМЕНТЕ-КИНО 28 июня в 23:20 – «Любовь во времена холеры». Еще одно прочтение одного из произведений Габриеля Гарсия Маркеса. В этот раз – американское. Классический голливудский стиль, который свободно и достаточно удачно совмещается с  европейскими актерами и полностью универсальным сюжетом. В конечном итоге, каждая из экранизаций Маркеса, какой бы необычной она не была, все же хранит в себе особенности поэтики этого художника. Ее суть в поэтическом взгляде на мир, в поиске чуда в будничном, в вере в безграничную силу любови и незнищенности самой человеческой жизни, которая куда более выносливо всех наших представлений о нем.

Игорь Грабович

В воскресенье, 28 июня, о 23:20 в последней программе юбилейного десятого сезона АРГУМЕНТА-КІНО – экранизация роману одного из самых знаменитых писателей ХХ века колумбийца Габриеля Гарсия Маркеса – «Любовь во времена холери»/ Love In The Time Of Cholera (2007, США).

Интрига же роману и одноименного фильма, что его создал американский кинорежиссер Майк Ньюелл (он также, кстати, экранизировал четвертый роман о Гарри Поттера) такая. Волшебный, но бедный юноша Флорентино Ариза объясняется Фермини Дазе в вечной любви, однако девушка выходит замуж за более зажиточного поклонника. Но Флорентино не отступается от своей любви. Он верит и ожидает. Между тем проходить путь от простого посыльного к судебному магнату, добывает богатство, славу и признание, имея надежду когда-либо получить свою Фермину. И вот минае свыше полувека, точнее же – пятьдесят три года, семь месяцев и одиннадцать дней.

Интересно, что лавреат Нобелевской премии из литературы Габриель Гарсия Маркес, автор знаменитых «Ста лет самотности», свою кинематографическую карьеру начинал 1954 года не только как сценарист, но и как режиссер. Тогда он в соавторстве заснял за собственным сценарием двадцятидев’ятихвилинну короткометражку «Голубой лангуст». Из каких-то причин – первый и последний режиссерский опыт. Но с тех пор и до сих пор Маркес является или сценаристом, или автором драматургической первоосновы аж сорока двух кинофильмов.

Вместе с тем, мастер «магического реализма», который одним из своих литературных навчителив считает Николая Гоголя, очень непросто соглашается на экранизацию своих произведений, сказать бы, больших форм; особенно же когда кинематографисты хотят массового успеха. Не исключение – история с романом «Любви во времена холеры», продать киноправа на который писателя уговаривали свыше двух лет. Но в конечном итоге случилось.

В ключевых ролях занятые испанцы, итальянцы и колумбийцы – Хав’ер Бардем, Джованна Меццоджорно, Джон Легвизамо. Драматизм Маркесовой прозы, его фирменный «магический реализм» двигается к зрителю именно через их игру. Конечно, передать все нюансы парко меланхоличной, преисполненной удивительных деталей прозы Маркеса языком кина почти невозможно, но каждая серьезная попытка тем более интересная.

Любовь в фильме, который мы сегодня с вами посмотрим, по-маркесивски особенное. Как всегда у этого автора, оно вязко и физиологично. Но, при всем этом, чрезвычайно сильное и вечное, чтобы быть просто животным ощущением. Персонаже Маркеса будто и не имеют очевидных личностных характеристик – их несет рекой Истории, они ничего не успевают заметить в своих коротких жизнях, но успевают сделать что-то такое, что оно прорастет впоследствии, много лет по их смерти.

Маркес – вечная наблюдательность, для него века несутся, как для других дни, а чувство и мнения его героев растягиваются на десятилетие. Вот человек что-то одно сделал, впоследствии другое, а вот ее уже и нет. И по тому ее неблагодарные дети разрушают все, что она смогла создать при жизни.

Герой фильма Флорентино ожидает свою Фермину свыше полувека. И это абсолютно естественно для Маркеса в его особенном Пространстве, пространстве созданного им Мира – так как когда ожидать меньше, то и ожидать ничего.

Следовательно, в АРГУМЕНТЕ-КИНО – картина о вечной любви.

Кинематографической ночи!

АРГУМЕНТ-КИНО