ukrfilm.com

В воскресенье, 10 мая, о 00:55 в первый раз в программе – кино из Аргентины, фильм чрезвычаен, будто соткан из самой истории кинематогорафа – стилей, образов и приемов. Вместе с тем, это очень актуальная антиутопия – «Антенна», созданная режиссером Естебаном Сапиром.

Интрига вот которая. Существует в мире город, в котором живут люди, которые потеряли голос. Они общаются между собой, читая по губам. А еще они целыми днями смотрят телевизор. Их жизнь однообразная и бездарная. А вся закавыка в том, что голоса у этих людей своровал такой себе спесивый телебосс Мистер Тv, который и правит городом. Дело в том, что он работает над созданием гипнотического устройства, которое контролирует чужие мысли, чтобы сделать свою власть абсолютной. Именно с этой целью ненасытный Мистер Тv похищает Певицу, единственного человека, у которого еще сохранился голос. Собственно, она является будто самим олицетворением голоса. Но свидетелем похищения становится Телевизионный Мастер. И он отправляется в путешествие к всесильной антенне в горах, чтобы помешать злохитрим планам Мистера Тv.

Этот фильм ведущего авангардного режиссера Естебана Сапира – ода свободе слова и силе человеческого голоса, что она воплощена изысканными приемами немого черно-белого кинематографа. В критических публикациях, которые появились после выхода ленты, чаще всего идет речь о том, что отправной точкой для Сапира стал знаменитый «Метрополис» классика немецкого киноэкспрессионизма Фрица Ланга, зафильмований в далеком 1927 году.

Впрочем, чтобы подчеркнуть образованность, вторичность ли режиссера, в его «Антенне» легко найти следы целого ряда киноклассиков – от Жоржа Мельеса и Фридриха Мурнау, к Сергея Ейзенштейна и Волчку Вертова, и не только. Нуар, экспрессионизм, сюрреализм – каждая из этих влиятельных кинематографических течений двадцатых-тридцатых годов ХХ века (шутя или серьезно) придасться для анализа «Антенны». Так же, как коммунизм, фашизм, фройдизм, научный позитивизм и другие течения тогдашней общественной мысли. Последовательно напрашивается вывод, что Естебан Сапир реконструировал не киноэпоху, а само время, не киноязык, а многоголосие политики и искусства, социальных сдвигов и философских споров, которые продолжались между двумя мировыми войнами, когда неумолимо очерчивался жуткий образ грядущего.

Интересно, что в конце 2007 года украинская кинотеатральная премьера «Антенны» состоялась чрезвычайным чином – картина демонстрировалась в киевском Художественном арсенале под музыкальное сопровождение украинской группы Esthetic Education.

С одной стороны, атмосфера кинематографа первых десятилетий прошлого века сохранена со всеми соответствующими художественными решениями, то есть – большой количество близких планов, стационарной камерой, многочисленными монтажными склейками. Вместе с тем, с другой стороны – лента насыщена современными графическими обидами: фантастическими техногенными объектами, невероятными згенерованими почварами и таким другим.

Вот скажем несколько персонажей. Загадочная певица Голос – сказать бы, эротичный парадокс – чрезвычайно прекрасная и чувственная женщина, которая просто не имеет лица. А прислужник Мистера TV – злобная почвара, у которой из-под машкары виднеются лишь кривые зубы, вместо одного глаза – пуговица, а из-под длинной шинели торчит хвост. А у преступного монструозного врача нижнюю часть лица скрывает маленький телевизор, который транслирует подвижное изображение влажного рта. Ну да это, сказать бы, детали, элементы. Правдивая же актуальность фильма «Антенна» – в откровенном и талантливо убедительном выступлении против власти посутне тоталитарных масс-медий над современным миром.

АРГУМЕНТ-КИНО – против телевизионного террора.

АРГУМЕНТ-КИНО

В апреле 2009 года впервые за время существования премии определенно победителя в номинации „Кинопроизведения для детей и юношества”. Им, собственно, и стал фильм режиссера Романа Ширмана, что он вышел к украинскому кинотеатральному прокату в конце прошлого года.

Премия им. Леси Украинки, что она от 14 января 2004 года имеет статус правительственного отличия, вручается за наилучшие отечественные произведения для детей и юношества. Комитет по присуждению награды возглавлял вице-премьер-министр Иван Васюник.

В целом победителей определяли в четырех номинациях. В номинации „Литературные произведения” лавреаткой стала писательница Тамара Коломиець – за сборники стихотворений „Где прячет солнце росы” и самая „Первая тропинка”. Художник Владислав Ерко, который прославился сотрудничеством с книжным издательством Ивана Малковича «А-БА-БА-ГА-ЛА-МА-ГА», победил в номинации „Художественное оформление книжек для детей и юношества”. Национальный академический драматичный театр им. Ивана Франко получил большинство голосов в номинации „Театральные представления” за представление „Кайдашева семья” за произведением Ивана Нечуя-Левицкого.

Каждый из победителей получит по 10 тыс. грн.

** Напомним, что «Прикольная сказка», позиционирующая авторами как первый украинский музыкальный художественный фильм-сказка для семейного пересмотра, снятая компанией «Интерфильм» (продюсер Елена Фетисова) при поддержке Государственной службы кинематографии Украины и Министерства культуры Эстонии. В ролях: Георгий Делиев, Елена Алимова, Денис Роднянский, Борис Барский, Владислав Троицкий.

kinokolo.ua

В воскресенье, 26 апреля, о 23:30 в программе – бельгийское кино. Веселая комедия, которую творили сразу трийко режиссеров. Все они дебютанты в большом кини – Фиона Гордон, Доминик Абель, Брюно Роме. А лента их называется «Айсберг»/l’iceberg (2005, Бельгия).

Перед нашими глазами развернется сюрреалистическая история женщины, которую случайно. закрыли в холодильнике ресторана быстрого питания. Проведя ночь среди замороженных продуктов, она уже не в состоянии вернуться к нормальной жизни: ее постоянно преследует образ айсберга. Противостоять этой мании невозможно – и наша героиня бросает родину и отправляется в море, где находит новых друзей, любовь и корабль, который отвезет ее к стране айсбергов.

Сразу не заметив видсутности жену, ее напивсомнамбуличний мужчина начинает понимать, что чего-то не хватает. И, как это бывает не только в кини, его давно угасшая любовь разгорается с новой силой. Он готов на любые подвиги, чтобы повернуть свою неожиданно потерянную половинку. Дальше еще интереснее. Удастся ли ему это и как закончится весь сюжет – знает девушка из вымершего северного племени, от имени которой и ведется сказ в фильме... Возможно, именно поэтому экранная история вышла такой веселой, красочной и абсурдистской.

Конечно, можно сделать культурологическую разведку – или не кроется причина в традициях старого и хорошего бельгийского дадаизму? Теперь мы к этому не удадимся. (Зато сюжет, что его подготовил Игорь Грабович и который будет демонстрироваться в программе, касаться того, как мировой кинематограф исследовал своиими особенными художественными средствами конфликт между реальной человеческой жизнью и взлелеянной в мечтах).

В фильме «Айсберг» почти нет разговоров (скажем так – лишних разговоров), что добавляет ему особенного шарма. Трое режиссеров, которые в то же время исполняют главные роли, – жены, мужчины и моряка – демонстрируют редкую самоиронию, а также доказывают, что юмор бывает не только черным, к чему мы уже стали привыкать последнего времени, но и белым – цвету айсберга.

Еще интересная информация: "Айсберг", что его создали режиссеры-актеры Фиона Гордон, Доминик Абель и Брюно Роме, в 2005 году принимал участие в конкурсе Киевского международного кинофестиваля "Молодость". И стал триумфатором: картина получила приз как "Наилучший полнометражный фильм", ну а Фиона Гордон еще и была признана жюри "Найкращоой молодой актрисой" фестиваля. Все трое также запомнились гостям церемонии закрытия фестиваля своим смешным поведением, полностью созвучным настроении ленты, – получая награду, они постоянно шутили и пытались говорить украинской.

А на фестивальной пресс-конференции один из творцов, Доминик Абель, комментируя минимумальну количество разговоров в фильме, сказал: „Слова врут, а тело говорит правду”.

Что правда, то правда. Айда на «Айсберг»!

** В программе – сюжет авторства Игора Грабовича:

Кинематографические столкновения взлелеянной в мечтах и реальной жизни

Кинематограф имеет по-настоящему неисчерпаемые возможности для того, чтобы показать человеческую мечту на экране. В то же время он может быть саркастическим к этой мечте. Хрестоматийным образцом разрушения мечты реальной жизнью является эпизод в начале фильма Федерико Феллини «Восемь с половиной». Собственно, этой сценой задается настроение ленты. «Восемь с половиной» –  это история кинорежиссера, которому в прямом смысле этого слова не дают летать, читай, творить. К земле героя тянут разнообразные обязательства перед окружением и внутренние конфликты, что ими преисполнена его жизнь.

В конечном итоге, в финале картины режиссер таки найдет выход, который заключается в примирении с реальностью и людьми, что его окружают. Собственно, заключительная сцена карнавала сегодня выглядит символом самого кинематографа, который находит способ дать своим героям и зрителям хотя бы какую-то надежду. Суть ее – в общечеловеческой солидарности, которая лишает человека, в том числе и художника, одиночества.

Вообще, сосуществования мечты и реальной жизни на экране является одним из самых распространенных способов рассказать историю. Именно этим прославился Чарли Чаплин, который создал образ бродяги Чарли, что тот попеременно находит и теряет свою мечту.

Скажем, в одной из найлиричниших лент Чаплина «Огни большого города» бродяга Чарли влюбляется у слипа продавчиню цветов, которой помогает повернуть зрение.

Девушка принимает помощь Чарли, но будучи слепой, считает его одним из многочисленных богатеев, которые часто выходили из автомобилей на перекрестке, где она продавала цветы. Прозрев, девушка не сразу узнает в ободранном герое своего спасителя. Чаплин здесь иронийний относительно человеческих мечт и в то же время чрезвычайно трогательный: он дает шанс мечты осуществиться.

Совсем другое виденье мечты и ее осуществление находим у классика испанского кина Луиса Бунюеля. Уже в названиях фильмов – «Скромная обворожительность буржуазии», «Привидение свободы» и «Неуверенный объект желания» –  чувствуется ирония относительно принципиальной досяжности мечты, которая отдаляется от героев каждый раз, как только они приблизятся к ней.

В конечном итоге, в картинах Бунюеля даже не идет речь о какой-то высокой мечте, для его героев недосягаемыми оказываются элементарные вещи. Они не могут выйти из комнаты, завладеть любимой или просто поужинать. Бунюель говорил, что снимает фильмы, где идет речь о философских вещах: о потребности поиска, о морали, по тайну, которую следует уважать, а также о непобедимой силе социальной рутины. Именно она, та рутина повсякденности и делает любую мечту неисполнимой.

Вообще, европейское кино последних десятилетий обнаруживает достаточно скепсису относительно человеческих мечт. В отличие от кина голливудского, где мечта может вряди угождай осуществиться, европейцы не такие толерантны. Трудно не вспомнить датчанина Ларса Фон Трира, который в своих картинах между человеком и его мечтой ставит почти непреодолимые препятствия.

Одной из самых известных, сказать бы, «Триривских мрийниць» остается Сальма из фильма «Танцовщица в темноте». Сальма, которая стремительно слепнет, ищет денег на операцию для сына, который унаследовал от нее ту же болезнь. В то же время Сальма живет также и в мнимом мире мюзикла, где жизнь не такое тяжелое, а мечты сбываются.

Бельгийская картина «Айсберг» в этом контексте прочитывается как одна из найиронийниших и в то же время самых изобретательных европейских историй о приключениях мечты. Мечта явлена здесь не в форме каких-то определенных желаний, она здесь скорее призыв, безудержный поезд, который вынуждает отправиться в дорогу. Творцы «Айсберга» сняли будто итоговый фильм на эту тему, где условен средний европеец, что он включен в крепкую социальную структуру общества, вдруг открывает для себя способность вырваться из надоевшего мира, чтобы пойти за мечтой, какой бы абсурдной она не казалась.

АРГУМЕНТ-КИНО

В пятницу, 10 апреля, о 23:00 в программе лента русского кинорежиссера Павла Руминова "Мертвые доньки"/"Мертвые дочери" (2006, Россия), который перед фильмуванням вызывающе заявил: «Если Серджо Леоне снял в Италии вестерн, значит, мне наверное нужно снять японский горор в России»...

Следовательно, история в этом «японском фильме ужасов» на русский копил такая. Когда-то как-то в России безумная мать одной глухой несчастной ночи утопила трех своих маленьких дочек. Ее отправили в сумасшедший дом. Пройшло несколько лет и там-таки этот мать-душегубец нашли жестоко убитой при помощи трех видов холодного оружия. Свидетели утверждали, что это кровавое преступление совершили трийко девочек-подростков... Ну, это, собственно, сказать бы, предпосылка экранной истории, героями и жертвами которой становится, казалось бы, ну совсем безенвинна, рядовая и серая компания молодых россиян.

«Мертвые дочки» являются полнометражным дебютом Павла Руминова. А Павел Руминов является тем молодым режиссером, который перед фильмування этой ленты был настроен сделать чуть ли не переворот в русском кини. Он также является тем типом кинематографистов, которые умеют уверенно отстаивать свои теоретические взгляды на кино, – которым оно должно быть и как его нужно делать.

Так вот, определение «русский фильм ужасов» для Руминова является не очень понятным. Мол, он вырос на англосакской массовой культуре и является ее частью. Также – получил нехитрое образование в видеосалоне (нужно понимать, как Тарантино) и знает американское кино лучше самих американцев. А также знает, как устроенный жанр фильма ужасов, потому и смело берется за него. Ну и «Мертвые дочки» – это такой себе омаж, то есть выявление уважения его же детским кинематографическим переживаниям. Фильм, в котором присутствие жанрового традиционализма является щонайважливишой частью замысла.

Дальше Руминов говорит, что россияне давно потеряли киноцивилизованность и пора наконец живую мировую махину жанрового кина ввести к русской системе кинокоординат, в которой монтаж Ейзенштейна и Пудовкина не более родная и более органическая вещь, чем саспенс Альфреда Гичкока. Таким образом, особенности его фильма ужасов, мол, в том, что он пытался его делать с сердцем русского кинопионера 20-х годов – с любовью и уважением к мировым традициям и абсолютной верой в собственные силы.

Руминов также обещал создать настоящий фильм, а не «медийный замут с пиротехническими оргиями и конвейерным йогуртовим монтажом».

В конечном итоге, то, что совершил Павел Руминов в своих «Мертвых дочках», когда-то называли одним словом – формализм. Это скорее игра в горор, то есть в фильм ужасов. Режиссер пугает публику преимущественно из внешних жанровых побуждений. И он быстрее склоняется к аллегории, которая присущая притче.

Также Руминову, как он говорит, нравится определение классических фильмов ужасов, где смерть является инструментом поэтизации реальности, инструментом познания всех вещей, оптикой, через которую можно взглянуть на свою жизнь. И сцены смерти в его картине есть центальними. Он стремился, чтобы зрители после пересмотра действительно задумались о том, что смерть реальна.

** В программе – сюжет авторства Игора Грабовича:

Горор по-русски

Вообще,  горор в русском кинематографе – нечастый гость. Оно и не удивительно, если учесть, что современное русское кино  последовательно развивает традиции  кина советского, где фильма ужасов не могло быть из идеологических соображений. Мол, советские люди ничего не боятся. Поэтому и называют киноисторики только один советский горор – «Ресниц» Константина Ершова и Георгия Кропачева.

Эта картина,  какую дознимав известен екранизатор сказок Александр Птушко, невзирая на некоторую свою декоративность и условность, все же содержит ряд по-настоящему страшных эпизодов. Идет речь о сценах в церкви, где Фоме Бруту приходится три ночи кряду молиться над телом им же убитой барышни. В конечном итоге, «Ресниц» может служить определенным прообразом горора по-радянски. Страх здесь оправдывается мощной литературной первоосновой и народным творчеством, соответственно, экранизации подобных текстов имеют по цель не пугать, а только составить почет литературной классике и давним переводам.

Похоже случилось и с лентой Евгения Татарского «Те, которые пьют кровь». В основе фильма - повесть «Упырь» Алексея Толстого. В фильме идет речь об отношениях юной Даши со своей бабушкой, генеральшей Сугробиной, которая является вампиром и ожидает подходящего мгновения, чтобы выпить кровь из внучки. Параллельно с этим к девушке сватается молодой офицер.  Вот только успеет ли он вырвать невесту из зубов упыря?

Страшные эпизоды в картине представлены как бреда одного из героев. Здесь вампир, как и в классических лентах на эту тему, имеет магическое влияние на свою жертву. Однако большее внимание в фильме все же было уделено литературной основе, которая, похоже, оказалась для режиссера важнее желания испугать зрителя.   Своеобразный излом случился 1992 года, когда  на экраны вышла картина «Прикосновение» режиссера  Альберта Мкртчяна. Созданная на независимой студии, она стала первым русским горором, который можно воспринимать по канонам фильма ужасов.

«Прикосновение» рассказывает о следователе по особо важным делам Андрея Крутицкого, который сталкивается с «сектой мертвых сподвижников», которых называют форзи и которые имеют по цель потянуть на тот свет наибольшее количество живых. Главный герой пытается спасти от смерти свою новобрачную Марину и ее дочку, однако испытывает неудачи - форзи явно более сильные.

«Прикосновение» балансирует между горором и триллером и пугает скорее атмосферой, чем прямым показом насилия. Особенно убедительным является образ умершего Николая Ильича Мальцева, одного из активнейших форзи, что тот представлен в фильме через воспоминания родственников и большой фотографией на кладбище. Однако этого вполне достаточно для создания  по-настоящему страшных эпизодов.

В конце девяностых в русском кини появляются две нерядовых картины, которых можно квалифицировать как горори. Их заснял  Николай Лебедев, за первой своей профессией журналист и киновед. Его ленты «Змеиный источник» и «Почитатель» стали филигранными примерами современного горора, который оперирует не столько сенсационными событиями, сколько  кинематографическим контекстом и ужасом, который лежит в самой реальности.

И если «Змеиный источник» стал сказом о страхах современной русской провинции, которая, по словам режиссера, сама порождает убийц, то «Почитатель» перевел внимание на микроуровень, потому что события здесь происходят в пределах одной семьи. Отец пометал жену и дочку ради молодой девушки. Дочка надеется на возвращение отца. В то же время у нее появляется таинственный почитатель, который выполняет все ее желания и фантазии, включая убийства. Конечно, желания девушки в конечном итоге вращающиеся против нее самой.

Собственно, «Почитатель» является одним из найдовершениших русских горорив, потому что эта лента, не выходя за пределы жанра, может служить примером правдивого искусства, которое поддается самым разнообразным трактовкам и держит зрителя в напряжении.

В конечном итоге, фильмы Николая Лебедева – все же авторское кино. Однако россияне пытаются также экспериментировать с уже готовыми кинематографическими формами. Как, скажем, в недавней картине «Смерть советским детям», что она является достаточно ловким сочетанием советских пионерских страхалок с современными телевизионными реаліті-шоу.

«Смерть советским детям» является  русским вариантом слешера, то есть истории о подростках, которых убивает маньяк  в маске.  Фильм достаточно откровенен в изображении насилия, но достаточно скромный в художественном плане, в конечном итоге, как и большинство современных слешеров. В то же время, в картине достаточно юмора. Черного, конечно.

«Мертвые дочки» Павла Руминова, как уже было сказано, являются скорее рефлексией касательно горору, чем самим горором. Слишком суетливые, слишком субъективные и предусмотрительные «Мертвые дочки» не творят правдивого напряжения, следовательно, и правдивого страха. Но картина имеет то преимущество, которое является по крайней мере честной попыткой вписать русский кинематограф к признанным в жанре правилам игры. Страх здесь не оправдывается ни литературным первоисточником, ни образом жизни русской глубинки. Лента в первую очередь апеллирует к общеизвестным жанровым и культурным клише. Еще один шаг – и русский кинострах наконец начнет говорить сам за себя.

АРГУМЕНТ-КИНО

От 8 до 18 апреля в трех украинских городах проходять IV Дни польского кина, которые, кроме ретроспективы лент Кшиштофа Занусси, традиционно знакомят украинцев с новейшими польскими фильмами.

Во второй раз подряд Дни польского кина совместно организуют и проводят Украинский кинофонд и международный бренд Nemiroff совместно с Польским Киноинститутом. Партнерами фестиваля является Поморский фонд, Польский Институт в Киеве, Институт им. А. Мицкевича, кинотеатр «Кинодворец», при поддержке Министерства культуры и туризма Украины и Министерства культуры Польши.

Торжественное открытие Дней польского кина состоялось в Киеве предпрем’ерним показом фильму «Сердце на ладони» совместного производства Польши и Украины. Режиссер Кшиштоф Занусси лично представил свой фильм, в котором главную роль сыграл Богдан Ступка, столичной публике.

В фестивальную программу новых польских фильмов также входят ленты: «33 сцены из жизни» Малгожати Шумовской, «Четыре ночи из Анной» Ежи Сколимовского, «Стадион беспризорных» Кассе Адамик, «Царапина» Михала Росы, «Дремота» Магдалени Пекорж и «Татарское зелье» Анджея Вайди.

Во всех трех городах фестиваль проходить в сети кинотеатров «Кинодворец: Киев_8-14 апреля Львов_9-14 апреля Харьков_13-18 апреля

kinokolo.ua

Ретроспектива проходить в Виннице и Киеве в рамцях IV Дней польского кина в Украине по случаю 70-и годовщины от дня рождения выдающегося польского режиссера.

В Виннице ретроспектива лент Занусси будет длиться от 7 до 11 апреля в кинотеатре «Семья», в Киеве от 9 до 13 апреля в кинотеатре «Кинодворец». В ретроспективу вошли шесть более давних картин мастера («Константа», «Иллюминация», «Галоп», «Душа поет», «Распутная привлекательность», «Персона нон-грата»), а также предпремьерный показ самого последнего фильма Кшиштофа Занусси «Сердце на ладони».

Кшиштоф Занусси 7 апреля представил ретроспективу своих лент в Виннице, а 8 апреля в Киеве во время торжественного открытия IV Дней польского кина Президент Украины Виктор Ющенко наградит господина Занусси Орденом Ярослава Мудрого – наивысшим украинским государственным отличием для иностранцев. 

Кшиштоф Занусси – польский режиссер театра и кина с мировым именем, сценарист, преподаватель, общественный деятель.  

Новая лента Кшиштофа Занусси „Сердце на ладони” (2008), созданная в сотрудничестве с украинскими кинематографистами (украинская компания Sota Cinema Group, продюсер Олег Кохан). На главную роль к своему фильму режиссер пригласил Богдана Ступку, который в прошлом году на Римском МКФ за эту работу получил «Серебряного Марка Аврелия» как наилучший актер фестиваля.

Появление подобной копродукции является еще одним свидетельством творческого интереса режиссера к Украине. Продолжением этого сотрудничества станет масштабный кинопроект, посвященный трагедии Голодомора 1930-х годов в Украине. В этом проекте планируется участие всемирно-известных актеров. 

IV Дни польских кина будут длиться до 18 апреля.

За официальным пресс-релизом Польского Института в Украине

Третьего апреля в Москве состоялась 22 торжественная церемония вручения русской национальной кинематографической премии «Ника». Наилучшим фильмом 2008 года признаны «Стиляги» Валерия Тодоровского.

Наибольшее количество номинаций, по восемь, имели три ленты – «Дикое поле» Михаила Калатозишвили, «Бумажный солдат» Алексея Гєрмана-молодшого и «Стиляги» Валерия Тодоровского.

В результате, у «Стиляг» четыре «Ники» – кроме наилучшего фильма, также за наилучшую работу художника, наилучшие костюмы и звукорежисуру.

У «Дикого поля» также четыре нагроди. За наилучший сценарий – Петр Луцик и Алексей Саморядов (оба – посмертно). Наилучшая музыка – композитор Алексей Айги. Наилучшая главная мужская роль – Олег Долин; также наилучшая мужская роль второго плана – Роман Мадянов.

Алексея Гєрмана-молодшого названо наилучшим режиссером. Также свои заслужены «Ники» получили операторы «Бумажного солдата» Максим Дроздов и Алишер Хамидходжаев. В целом, победа в двух номинациях.

Накращи женские роли, главная и другопланова, у актрис фильма Александра Прошкина «Живи и помни” (за одноименной повестью Валентина Распутина), соответственно, в Дарьи Мороз и Анни Михалковой.

Открытием года названы режисерку ленты «Все умрут, а я останусь» Валерию Гай Германику.

Наилучшим неигровым фильмом признана «Анастасия» Виктора Лисаковича, а наилучшим анимационным – «Правдивую историю о трех поросят» Константина Бронзита.

«Ника» за наилучший фильм стран СНГ и Балтии у украинских «Райских птиц» Романа Балаяна. Лента продуцировалась компанией Sota Cinema Group (продюсер Олег Кохан) при поддержке Министерства культуры и искусств Украины.

«Нику» в номинации «Честь и достоинство» получил гениальный кинорежиссер Алексей Герман, автор лент «Мой друг Иван Лапшин», «Проверка на дорогах», «Хрусталев, машину!», «Хроника Арканарской резни» (не законченный).

«Нику» в номинации «За взнос в кинематографические науки, критику и образование» имеет кинокритик Юрий Богомолов.

kinokolo.ua

От 2 до 5 апреля в столице Швеции под патронатом председателя парламентского комитета по вопросам культуры Сецилии Вилкштрем пройшов международный фестиваль документального кина – International Documentary Film Event “Humanity in the World”. Целью этого внеконкурсного события является демонстрация лент, что их объединяет тема "Гуманизм в мире". На фестивале демонстрировались 12 – с точки зрения организаторов – наилучших фильмов из всего мира, что они касаются этой темы.

К программе показов, среди других, был отобран и фильм известного украинского режиссера Сергея Буковсего "Живые". Напомним, что картина была отснята к 75-ым годовщинам Голодомора в Украине. Лента продуцировалась при поддержке международного благотворительного фонда «Украина 3000». В фильме, в частности, обнародованные свидетельства британского журналиста Гарета Джонса, что он неоднарозово посещал Украину и видел, как в 1932-33 годах коммунистическая власть уничтожала украинский народ. Вообще, репертуар фестивальных показов составлен из лент, что их объединяют темы социального неравенства, геноцида, тоталитарных режимов и призывает оценить кинематограф как инструмент образовательного, политического, культурологического влияния на человеческое сознание, а также популяризации идеи демократии и толерантности в мире.

Среди почетных гостей фестиваля первые леди Украины и Польши Екатерина Ющенко и Мария Качинска, госпожа Дагмар Гавел (жена первого Президента Чехии), Адам Ротфельд (дипломат, историк, прежний министр иностранных дел Польши). Во время фестиваля проводились «круглые столы», обсуждения фильмов, а также торжественное принятие, зорганизоване Украинским кинофондом, международным брендом NEMIROFF и Посольством Украины в Швеции.

За материалами официального пресс-релиза Украинского кинофонда

В апреле-июне 2009 года в еженедельной авторской программе Владимира Войтенко на телеканале «1+1», которая выходит в эфир позднего воскресного вечера, планируются такие фильмы.

05.04 Византийская царевна / Tirant Lo Blanc 2006, Испания – Италия – Большая Британия Висенте Аранда

10.04 (пятница) Мертвые дочки / Мертвые дочери 2007, Россия Павел Руминов

19.04_ программа не выходит

26.04 Айсберг / Iceberg 2005, Бельгия Фиона Гордон, Доминик Абель, Брюно Роме

03.05_ программа не выходит

10.05 Антенна / La Antena 2007, Аргентина Естебан Сапир

17.05 Цоци / Tsotsi 2005, Большая Британия – ПАР Гейвин Гуд

24.05 Последние дни / Last Days 2005, США Керосин Ван Сент

31.05 20 сантиметров / 20 Centimetros 2005, Испания – Франция Рамон Салазар

07.06 Мило / En Soap 2006, Швеция – Дания Пернилле Фишер Кристенсен

14.06 Любовь во времена холеры / Love In The Time Of Cholera 2007, США Майк Ньюелл

21.06 Изгнанники / Exiled 2006, Гонконг Джонни То

АРГУМЕНТ-КИНО

14 февраля 2009 года «Золотого медведя» 59 Берлинского международного кинофестиваля получила лента перуанской режисерки Клаудии Леси «Прогорклое молоко».

Клаудия Леса стала первым представителем перуанской кинематографии, чей фильм попал к конкурсной программе Берлинского международного кинофестиваля, который входит в тройку самых престижных в мире (рядом с Каннским и Венецийским). И сразу – наивысшая награда Берлинале! Получив «Золотого медведя», Клаудия Леса, кстати, племянница знаменитого перуанского писателя Марио Варгаса Леси, сказала, что посвящает эту свою награду своей матери и своей стране, Перу.

Ниже приведен перечень наград, присужденных главным международным жюри фестиваля фильмам полнометражной конкурсной программы 2009 года.

«Золотой медведь» наилучшему фильмовые «Прогорклое молоко»/ La teta asustada (Перу – Испания), режиссер Клаудия Леса

«Серебряный медведь» – Гран-при жюри на ровных «Все инши»/ Alle Anderen (Германия), режиссер Марен Аде и «Велетень»/ Gigantе (Уругвай – Аргентина – Германия – Испания), режиссер Адриан Биньес

"Серебряный медведь" за наилучшую режиссуру Асгар Фаргади, "О Елли"/ Darbareye Elly (Иран)

"Серебряный медведь" наилучшей актрисе Биргит Минихмайр, «Все инши»/ Alle Anderen (Германия), режиссер Марен Аде

"Серебряный медведь" наилучшему актеру Сотиги Койяте (Мали), «Река Лондон»/ London River (Большая Британия – Франция – Алжир), режиссер Рашид Бушареб

"Серебряный медведь" за наилучшее звуковое оформление фильма Габор Эрдеи и Тамаш Зекели, «Каталин Варга»/ Katalin Varga (Румыния – Большая Британия –Угорщина), режиссер Питер Стрикленд

"Серебряный медведь" за наилучший сценарий Орен Моверман, Алессандро Камон, "Висник"/ The Messenger (США), режиссер Орен Моверман

Приз Альфреда Бауера (за новые перспективы в киноискусстве) на ровных «Велетень»/ Gigantе (Уругвай – Аргентина – Германия – Испания), режиссер Адриан Биньес «Татарак»/ Tatarak (Польша), режиссер Анджей Вайда

** Кроме этого, престижный фильм Международной федерации кинопрессы (FIPRESCI) среди фильмов полнометражной конкурсной программы присужден фильмовые, что стал триумфатором и в глазах официального международного жюри, – «Прогорклое молоко»/ La teta asustada (Перу – Испания), режиссер Клаудия Леса.

Вол.Войтенко, Берлин – Киев